VISIO XIV EDIZIONE
European Programme on Artists’ Moving Images

progetto
struttura
iscrizioni

Il progetto

Lo schermo dell’arte presenta la quattordicesima edizione del VISIO – European Programme on Artists’ Moving Images, un programma di ricerca, residenza e produzione dedicato agli artisti che utilizzano le immagini in movimento nella loro pratica artistica.

Il progetto, curato da Leonardo Bigazzi, si terrà a Firenze nell’ambito della XVIII edizione dello Schermo dell’arte – Festival di Cinema e Arte Contemporanea (12 – 16 novembre 2025). Gli 8 partecipanti saranno giovani artisti residenti in Europa che lavorano con le immagini in movimento, selezionati attraverso un bando pubblico promosso in collaborazione con alcune delle principali accademie d’arte e residenze per artisti europee.

Il termine ultimo per inviare la propria candidatura è venerdì 23 maggio 2025. 

VISIO include il VISIO Production Fund, un fondo di produzione di 35.000 euro concepito in collaborazione con il Centro per l’Arte Contemporanea Luigi Pecci (Prato), la Fondazione In Between Art Film (Roma), il FRAC Bretagne (Rennes) e con il contributo di Human Company, impresa storica e punto di riferimento in Italia per l’ospitalità openair, grazie alla quale sarà previsto anche un rimborso delle spese di viaggio degli artisti partecipanti. Otto artisti saranno selezionati e invitati a Firenze e avranno l’opportunità di sviluppare un proprio progetto originale in dialogo con curatori e produttori internazionali. La condivisione e lo scambio tra partecipanti e professionisti saranno facilitati da un intenso programma di sessioni di mentoring, tavole rotonde e incontri individuali. I fondi saranno infine assegnati a tre artisti che lavoreranno con Leonardo Bigazzi e il team dello Schermo dell’arte per produrre le loro opere e presentarle in anteprima al Festival nel 2026. Un’edizione d’artista di ciascuna delle opere prodotte entrerà a far parte della collezione permanente delle istituzioni partner del progetto, che si impegnano a promuoverle ed esporle negli anni successivi. 

Gli artisti premiati nelle precedenti edizioni sono: Timoteus Anggawan Kusno, Abdessamad El Montassir, Andro Eradze, Gala Hernández López, Peng Zuqiang, Simon Liu, Valentin Noujaïm, Gerard Ortín Castellví, Maryam Tafakory, Yuyan Wang. Le opere prodotte con il fondo sono state presentate in concorso in istituzioni come Tate (Londra), MoMA e MoMA PS1 (New York), Kunsthalle Basel (Basilea), Eye Filmmuseum (Amsterdam), Accademia di Francia a Roma – Villa Medici (Roma) e altre, nonché in concorso in festival come Berlin International Film Festival, Locarno Film Festival, International Film Festival Rotterdam, Visions du Réel (Nyon), e CPH:DOX (Copenhagen).

VISIO 2024

struttura

VISIO – European Programme on Artists’ Moving Images è strutturato in quattro sezioni:

1. Mentoring Sessions

Saranno organizzate sessioni critiche e incontri individuali con l’obiettivo di sviluppare i progetti presentati dagli artisti partecipanti. I curatori invitati avranno la possibilità di studiare a fondo le proposte prima dell’inizio del programma e di discutere con gli artisti i vari aspetti delle produzioni. I mentori di questa edizione sono: Hiuwai Chu, responsabile delle mostre MACBA Museu d’Art Contemporani de Barcelona, e Valentine Umansky, curatrice Tate Modern (Londra).

In queste sessioni gli artisti incontreranno anche i rappresentanti delle istituzioni partner del progetto con cui i film vincitori saranno coprodotti: Etienne Bernard, direttore FRAC Bretagne (Rennes); Stefano Coltelli Cagol , direttore Centro per l’Arte Contemporanea Luigi Pecci (Prato); Alessandro Rabottini, direttore artistico Fondazione In Between Art Film (Roma).

2. Conversation Room

In questo spazio i partecipanti potranno incontrare artisti, curatori, critici, produttori e direttori di istituzioni internazionali durante tavole rotonde e incontri individuali di 40 minuti. Dalla presentazione del proprio portfolio a una semplice conversazione, questi momenti sono pensati come un’occasione di confronto e di scambio per favorire la crescita professionale dei partecipanti ed estendere il loro network di contatti internazionali. Tra gli ospiti confermati Daniel Blanga Gubbay, direttore artistico del Kunstenfestivaldesarts (Bruxelles).

3.  Festival

Gli artisti partecipanti sono invitati a prendere parte alle proiezioni, agli incontri e alle conferenze previste dal programma della XVIII edizione dello Schermo dell’arte – Festival di Cinema e Arte Contemporanea. In questa edizione saranno proiettati i lavori di vari artisti internazionali tra cui: Sven Augustijnen e Sammy Baloji. Il programma include anche le anteprime delle opere prodotte attraverso il VISIO Production Fund 2024 dagli artisti Abdessamad El Montassir, Gala Hernández López, Peng Zuqiang e di Valentin Noujaïm, vincitore del VISIO Production Fund 2023.

4. Streaming

Un’opera di ciascuno dei partecipanti al progetto sarà inoltre presentata online sul canale digitale Lo schermo dell’arte con MYmovies ONE, dal 12 al 23 novembre 2025.  

iscrizioni

1. Regolamento

Gli artisti sono invitati a presentare un progetto per un’opera video originale ancora nelle prime fasi di sviluppo. Non ci sono restrizioni sulla durata e/o sul formato dell’opera proposta (installazioni monocanale, multicanale, VR, realtà aumentata, ecc.). Sono ammesse coproduzioni con musei, festival, case di produzione o altre istituzioni internazionali.

Attraverso il bando, il curatore Leonardo Bigazzi selezionerà 8 artisti che saranno invitati a Firenze dal 12 al 16 novembre 2025 per sviluppare i loro progetti con il gruppo di lavoro di VISIO. Dopo la settimana di residenza, i partecipanti avranno tempo fino al 4 dicembre 2025 per rielaborare le loro proposte sulla base dei feedback ricevuti durante gli incontri.

I 3 progetti vincitori riceveranno 10.000 euro ciascuno e saranno selezionati entro il 22 dicembre 2025 da Leonardo Bigazzi, in dialogo con i partner istituzionali che co-produrranno le opere: Centro per l’Arte Contemporanea Luigi Pecci (Prato), Fondazione In Between Art Film (Roma) e FRAC Bretagne (Rennes). Un’edizione d’artista dell’opera prodotta entrerà a far parte della collezione permanente dell’istituzione co-produttrice. Gli ulteriori 5000 euro, messi a disposizione da Human Company, saranno assegnati dal curatore a uno dei 3 progetti vincitori sulla base delle necessità del progetto espresse nel modulo di partecipazione.

Il curatore e il team de Lo schermo dell’arte lavoreranno a stretto contatto con gli artisti vincitori, offrendo loro tutto il supporto produttivo necessario fino al completamento dell’opera e alla sua consegna, con sottotitoli in inglese entro il 1° ottobre 2026.

Le opere vincitrici saranno presentate in anteprima mondiale a Lo schermo dell’arte nel 2026. Gli artisti potranno eventualmente discutere con il Curatore la possibilità di presentare l’opera in anteprima mondiale in occasione di un importante festival cinematografico internazionale nel 2026 (esclusivamente Cannes, Locarno o Toronto) prima della proiezione del film a Lo schermo dell’arte a novembre del 2026.

2. Selezione

I candidati devono essere artisti visivi che:

  • Lavorano con le immagini in movimento come parte della loro pratica artistica
  • Hanno meno di 35 anni (nati nel 1990 o dopo)
  • Sono cittadini o residenti di uno dei 46 Paesi membri del Consiglio Europeo + Kosovo (elenco completo)
  • Hanno un curriculum rilevante di mostre personali e/o collettive negli ultimi 3 anni 
  • Hanno un’ottima conoscenza della lingua inglese

 Nel caso di un duo o di un collettivo di artisti questi requisiti devono essere rispettati da tutti i membri. Si richiede inoltre che il collettivo abbia un percorso di collaborazione documentato di almeno 3 anni.

3. Candidatura e Scadenze

Il modulo di partecipazione è scaricabile qui.

Insieme al modulo di partecipazione è necessario inviare anche i seguenti file (in lingua inglese):

  • Budget di produzione (allegato A)
  • Curriculum vitae completo (PDF)
  • Portfolio completo di link ai video già realizzati (PDF)
  • Foto dell’artista con risoluzione di almeno 300 dpi (formato: JPG o TIFF)

Allegati facoltativi:

a) Lettere di partner istituzionali (musei, festival, ecc.), produttori e/o finanziatori coinvolti 

b) Mood board, immagini e altri supporti visivi

c) Link a estratti video legati all’opera presentata (materiali di ricerca, parti già girate etc.)

Il budget di produzione (Allegato A) consiste in un piano dettagliato dei costi per la realizzazione dell’opera. Nel caso in cui il budget di produzione superi l’importo del VISIO Production Fund (10.000 euro), devono essere indicati e documentati i contributi economici di altri partner o coproduttori. 

Se al progetto è associata una società di produzione, il modulo di domanda deve essere firmato anche da un rappresentante della società.

Prima di inviare la candidatura, si prega di controllare che tutti i link inclusi nel portfolio e nei documenti allegati siano attivi e che, se richieste, le relative password siano fornite. 

Le candidature devono essere inviate a Livia Polacco all’indirizzo visio@schermodellarte.org  entro le ore 23.00 (CET) di venerdì 23 maggio 2025. Gli otto artisti selezionati riceveranno una notifica via e-mail entro il 30 settembre 2025. 

L’apertura ufficiale delle sessioni avverrà alle ore 10.00 di mercoledì 12 novembre e terminerà alle 23.30 di domenica 16 novembre 2025.

I partecipanti dovranno prendere parte a tutti gli eventi per l’intera durata del programma.

Tutti gli incontri e i seminari saranno in lingua inglese.

Gli 8 artisti selezionati riceveranno:

– Pass per seguire il programma del Festival (proiezioni e lectures)

– Partecipazione a tutte le sezioni del programma

– Sistemazione in albergo per sei notti (11 – 17 novembre | check-in il 11 / check-out il 17)

– Rimborso viaggio fino a un massimo di 300 euro per il biglietto per/da Firenze

SCARICA IL MODULO DI PARTECIPAZIONE E IL BUDGET DI PRODUZIONE
partecipants of this edition
Sarah Brahim
1992, Saudi Arabian. Lives and works in Milan.
Brahim is a visual and performance artist working across many mediums to present work rooted in experiences of the body. She examines how gestures of the body create a language that can be used to voice grief, metamorphosis, the unseen form, and our relationship to the natural world. Transformation through movement is reflected in her works that explore questions of embodiment and cycles of connection, whether social, spatial, or spiritual. She trained as a professional performer, teacher, and choreographer at San Francisco Conservatory of Dance, and received a BFA from London Contemporary Dance School. Her research-based practice began while studying medicine at university, leading her to receive a BS in Public Health: Community Health Education from Portland State University. His work has been shown internationally, including: 16th Lyon Biennial (Lyon); Diriyah Biennial (Riyadh); Noor Festival for contemporary light art (Jeddah); Islamic Arts Biennale (Jeddah); Bally Foundation (Lugano); Philipp Zollinger Gallery (Zurich).
Abdessamad El Montassir
1989, Moroccan. Based between France and Morocco.
El Montassir combines research and creation through collaborations with scientists, citizens, and activists. His work reflects personal and collective histories, reviving oral memories often overshadowed by dominant narratives. The experiments that El Montassir leads, and the anonymous encounters that he has in the Sahara in the south of Morocco, allow him to explore trauma and how lived or anticipated violence shapes individuals’ behaviors. His artistic practice is grounded on the right to forget, fictional and visceral narratives, and the trauma of anticipation. Uncovering previously invisible geographical spaces, his works focus on a profound consideration for both human and non-human entities in our environment. Currently, he is in residency at Villa Medici (Rome). Recent exhibitions and screenings include: Bétonsalon (Paris); Push To Enter (Seoul) Centre Pompidou-Metz (Metz);  MAXXI (Roma); Kunst Meran Merano Arte (Merano); BIP – Biennale de l’Image Possible (Liège); 22nd Biennial Sesc_Videobrasil (São Paulo); Institut d’Art Contemporain (Villeurbanne); La Friche Belle de Mai (Marseille); Fonds Régionnal d’Art Contemporain de Franche-Comté (Besançon); Musée d’art de Joliette (Joliette, Canada); FIFA Festival International du Film sur l’Art (Montreal); 9th edition of the OVNi festival (Nice).
Gala Hernández López
1993, Spanish. Lives and works in Paris.
Hernández López is an artist, filmmaker, and researcher whose interdisciplinary practice blends film, video installations, performances, and publications. Her work investigates new forms of subjectivation influenced by computational capitalism, examining ecofeminist perspectives on virtual communities, disruptive technologies, and reactionary tech utopias. She creates research-based artworks that merge materialist analysis with poetry and intimacy, exploring human fantasies of techno-scientific control. A PhD candidate at the University Paris 8, she has taught and held various research positions, including an artist residency at the French Academy in Spain. This year, she won the César for Best Documentary Short and the Experimental Work Award of La Scam (France). Her work has been shown and screened internationally, including: Berlinale; Locarno Film Festival; DOK Leipzig; Cinéma du Réel – Festival du Nouveau Cinéma, Montréal; transmediale, Berlin; Punto de Vista, Pamplona; Centre Wallonie Brussels; Documenta Madrid; FRAC Ile-de-France, Paris; FRAC Corsica, Corte; Tabakalera, San Sebastián; Porto/Post/Doc, Porto; SEMINCI, Valladolid; iMAL, Brussels; Arts Santa Monica. 
Peng Zuqiang
1992, Chinese. Lives and works in Amsterdam.
Peng works with film, video, and installations, with an attention to the affective resonances within histories, bodies, and language. Among recent exhibitions and screenings: Fondazione Sandretto Re Rebaudengo (Turin); Kevin Space (Vienna); Cell Project Space (London); E-Flux screening room (New York); videobrasil (Brazil); UCCA Center for Contemporary Art (Beijing); Schirn Kunsthalle (Frankfurt); Alchemy Film and Moving Image Festival (Hawick).
Charmaine Poh
1990, Singaporean. Based between Berlin and Singapore.
Poh works across media, moving images, and performance to peel apart, interrogate, and hold ideas of agency, repair, and the body across worlds. She aligns herself with strategies of visibility, opacity, deviance, and futurity. Her practice initially focused on using experimental documentary photography to explore how femininity and queerness are articulated. Her work centres the affects of vulnerability, desire, and intimacy from the vantage point of subversion. After a MA in Visual and Media Anthropology, she is pursuing a PhD at the Universität Berlin. Recent exhibitions and screenings include: 60th Venice Biennale Foreigners Everywhere (Venice); Singapore Art Museum (Singapore); Seoul Museum of Art (Seoul); SeMA Bunker (Seoul); Leslie Lohman Museum (New York); Queer East Festival (London). 
Young-jun Tak
1989, South Korean. Lives and works in Berlin.
In his practice, Tak examines socio-cultural and psychological mechanisms that shape belief systems. Blurring the lines between media, techniques, and subject matter, he pursues obfuscation as a tool of critique. In his films and sculptures, he often exposes the human body in the context of polarizing norms and conventions. His work has been shown internationally, including: PHILIPPZOLLINGER (Zurich); COMA (Sydney); Atelier Hermès (Seoul); Julia Stoschek Foundation (Berlin, Dusseldorf); palace enterprise (Copenhagen); O—Overgaden (Copenhagen); Wanås Konst (Knislinge); Skånes konstförening (Malmo); Capsule (Venice); High Line (New York); Chicago Architecture Biennial (Chicago).
Philip Ullman
1992, Swedish. Lives and works in Amsterdam.
In their practice, Ullman captures movements and voices that are inherent to the human body and applies these to non-human characters. Through these characters, in fictional 3D animated realities, Ullman questions the grounds on which value and sentience are prescribed, why one life is more valuable than another and what it means to be human. They recently completed a MFA at the Royal Danish Academy of Fine Arts. Solo exhibitions include: Goswell Road (Paris); Mutter (Amsterdam). This year, they exhibited in several international institutions, private spaces, and festivals including: Berlinale (Berlin); Rotterdam Film Festival (Rotterdam); Annecy International Animation Film Festival (Annecy); Lago Film Fest (Revine Lago, Italy); Kaboom Film Festival (Amsterdam); Kurzfilm Festival Hamburg (Hamburg);  Vienna Shorts (Vienna); Syncro Film Fest (Buenos Aires); Guanajuato International Film Festival (Guanajuato City); International Film Festival of Kerala (Thiruvananthapuram).
Leyla Yenirce
1992, German/Kurdish. Lives and works in Berlin.
Yenirce’s multi-disciplinary practice moves between video, installation, sound, painting and performance. Her work deals with multi-layered themes such as cultural and medial structures of dominance, often creating cinematic, staged works based on found footage that are politically and critically charged. A central aspect of her work is the deliberate use of sound. She studied cultural anthropology, time based media, and painting at HafenCity University Hamburg, Bryn Mawr College Pennsylvania, and the Academy of Fine Arts in Hamburg. In 2019, she participated at the Kurdish Film Festival in Berlin, where she was awarded with the Karl H. Ditze Art Prize for the best final work. She completed the 2023 Art Explore – Cité internationale des arts residency program (Paris). Recent exhibitions, screenings, and performances include: HFBK Neue Kunst in Hamburg; Sfeir-Semler Gallery (Hamburg); Kunsthaus (Hamburg); Capitain Petzel (Berlin); Schiefe Zähne (Berlin); Kunsthalle Münster; International Film Festival Rotterdam; Moltkerei Werkstatt (Cologne); Studio Mondial (Berlin); Haus der Kunst (Munich); Braunsfelder (Cologne); Elbphilharmonie (Hamburg); Sophiensæle (Berlin).
Works in streaming
On the streaming channel Lo schermo dell'arte on MYmovies ONE
November 13-24, 2024
He said, we must forget
by Sarah Brahim, 2023, 9’22’’ Originally conceived as a two-channel installation, He Said, We Must Forget uses images collected over the course of an entire year, two films run in parallel; they intersect and oppose each other, one undoing what the other brings forward with a technique based on hand-painting. Through fragments of images, Brahim tries to understand involuntarily whether it is possible to forget certain things in order to move ahead and how memories, and access to them, become blocked. An invitation to contemplate about the limits of human memory, its longevity, and the delicate boundary between reality and imagination.
Galb’Echaouf
by Abdessamad El Montassir, 2021, 18’43’’ While investigating an event that profoundly changed the landscape of the Sahara, El Montassir was faced with the silence of previous generations who remain haunted by a history that they are unable to tell. With Galb’Echaouf, El Montassir focuses the viewer’s attention on landscapes, plants, and poetry, in search of answers or elements that could participate in the reconstruction of this amnesia and the transmission of the narratives.
La Mécanique des Fluides
by Gala Hernández López, 2022, 38’ In 2018, an incel (i.e., an involuntary celibate) posts a suicide note on the Reddit platform with the title “America is responsible for my death”. La Mécanique des Fluides is an attempt to find answers to his words. A virtual drift on the Internet in search of his digital traces that ends up being an inner journey between two connected solitudes.
Sight Leak
by Peng Zuqiang, 2022, 12’15’’ Sight Leak, filmed in 16mm black & white, reconfigures Roland Barthes’ memoirs of his 1974 journey to China, published posthumously, from the perspective of a local tourist visiting Changsha; the artist’s hometown. Barthes’ judgments about China are refracted in the film  as fragments of dialogues on class, queerness and desire, responding to the reflections on the same matters elicited alongside Barthes’ sense of eroticism.  Commissioned by Macalline Art Center.
Good Morning Young Body
by Charmaine Poh, 2023, 6’23’’ The video uses as its basis found footage and material of the artist’s time as a preteen TV actor in the early 2000s in Singapore, a time of an unregulated internet and nascent image distribution. Through the use of a deep-fake, the video resurrects the series character, E-Ching, to address the politics of the gaze, the femme-presenting body, and agency. By compressing time and space, the eternal 12-year-old E-Ching offers a revisionist narrative that holds a yearning for freedom.
Wish You a Lovely Sunday
by Young-jun Tak, 2021, 18’45’’ Two choreographers and two dancers collaborated to create new choreography for the church “Kirche am Südstern” and the queer club “SchwuZ” in Berlin, each assigned a different Bach piano piece for four hands. After rehearsals, the venues were swapped, and participants learned their performance locations only on the actual day of filming, requiring them to adapt their choreographies to the new spaces. This juxtaposition of distinct settings aims to explore the coexistence of religious practice and club culture, highlighting the dancers’ struggles and commitment to fitting their movements into these new contexts. Supported by Arts Council Korea, Berlin Masters Foundation, Burger Collection, and Center Stage.
Preoperational Model
by Philip Ullman, 2023, 13’10’’ Anthropomorphic princess Sophie and her maid Jessica prepare for a new day in the royal court. Sophie’s struggle to play her role propels the two protagonists forward and backward in time, through worlds and identities to find a way to live together. A disempowerment story from the perspective of the powerful.
Being Strong Is Hard
by Leyla Yenirce, 2021, 4’13’’ The film is a rapid flow of images, gathered online or created by the artist, featuring Kurdish activists, journalists, and fighters—mostly women—facing the camera, often smiling, accompanied by electronic music. The work, which the artist herself describes as an “image machine,” combines concepts of solidarity and resistance and serves as a tribute to those who have been killed or who are still fighting.

VISIO. European Programme on Artists’ Moving Images – XIV edizione

Promosso e prodotto da 
Lo schermo dell’arte

A cura di
Leonardo Bigazzi

In collaborazione con
Centro per l’Arte Contemporanea Luigi Pecci (Prato)
Fondazione In Between Art Film (Roma)
FRAC Bretagne (Rennes)
con il sostegno ulteriore di Human Company

Crediti immagine: Maryam Tafakory, راز دل Razeh-del, 2024, video still. Courtesy the artist.

La selezione dei partecipanti è realizzata in partnership con:

  • Careof (Milano)
  • Cité internationale des arts (Parigi)
  • De Ateliers (Amsterdam)
  • Delfina Foundation (Londra)
  • Gasworks (Londra)
  • Hangar (Barcellona)
  • Künstlerhaus Bethanien (Berlino)
  • Le Fresnoy-Studio national des arts contemporains (Tourcoing)
  • Rijksakademie van beeldende kunsten (Amsterdam)
  • Spike Island (Bristol)
  • Städelschule (Francoforte)
  • Villa Romana (Firenze)
  • WIELS, Contemporary Art Centre (Bruxelles)